Gestaltungsmittel Kunst

Gestaltungsmittel sind ein zentraler Teil der Bildanalyse. Sie sind die einzelnen Elemente, die ein Werk erst vollständig machen. Geübte Künstler*innen nutzen diese bewusst, um die Botschaft hinter ihrem Kunstwerk auf verschiedenen Ebenen zu verstärken.

Gestaltungsmittel Kunst: Unterscheidung von Figur und Grund

Zunächst ist es wichtig sich bewusst zu machen, was in einem Bild überhaupt die Figur ist, also was die Aufmerksamkeit der Betrachter*innen auf sich ziehen soll. Die Figur kann aus einem oder mehreren Teilen bestehen. Dabei kann sie eine einzelne Person, aber auch ein Gebäude oder eine Gruppe von Tieren sein. Die Figur kann deutlich vom Hintergrund unterschieden werden.

Gestaltungsmittel Kunst: Die Räumlichkeit

Die Räumlichkeit eines Werkes ordnet die Figur in eine Szene ein. Dabei ist das räumliche Gefühl eines Bildes stets eine optische Täuschung, denn schließlich steht dem/der Künstler*in nur eine zweidimensionale Fläche (z. B. eine Leinwand) zur Verfügung. Um die Räumlichkeit darzustellen, können sich Künstler*innen verschiedener Mittel bedienen. Dazu gehören Methoden, wie z. B. Objekte überlappen zu lassen, um zu zeigen, dass sich etwas hinter einem Objekt befindet, oder Objekte, die sich im Hintergrund befinden, kleiner darzustellen. Besonders wichtig für die Darstellung von Räumlichkeit ist auch die korrekte Anwendung von Licht und Schatten.

Gestaltungsmittel Kunst: Die Perspektive

Zur Erschaffung von Räumlichkeit gehört auch die Perspektive. Hier werden drei Hauptarten unterschieden:

• Die Froschperspektive: Die Szene wird von unten betrachtet. Dies verzerrt die Wahrnehmung und kann z. B. Gebäude oder Figuren größer erscheinen lassen, als sie eigentlich sind.

• Die Augenperspektive: Die Szene befindet sich ungefähr auf Augenhöhe mit dem/der Betrachter*in. Das kann das Bild natürlicher wirken lassen.

• Die Vogelperspektive: Die Szene wird von oben betrachtet. Im Gegensatz zur Froschperspektive können hier Dinge kleiner wirken, als sie eigentlich sind.

Gestaltungsmittel Kunst: Die Beleuchtung

Die Beleuchtung einer dargestellten Szene spielt bei vielen Kunstwerken eine große Rolle. Sie dient nicht nur dazu, dem Werk mehr Räumlichkeit zu verleihen, sondern lässt bestimmte Aspekte stärker herausstechen. Das verleiht der Szene eine gewisse Stimmung oder erzeugt einen starken Kontrast zwischen den verschiedenen Elementen.

Gestaltungsmittel Kunst: Die Harmonie

Harmonie kann sowohl durch Formen als auch durch den Einsatz von bestimmten Farben und Farbkontrasten erreicht werden. Um Harmonie zu erzeugen, muss ein Werk einheitlich und ruhig wirken. Dies geschieht vor allem durch Übereinstimmungen. So werden beispielsweise verschiedene Elemente eines Werkes harmonisch durch eine bestimmte Form verbunden. Das Bild wirkt damit auf viele Betrachter*innen ästhetisch.

Gestaltungsmittel Kunst: Die Blickführung

Wenn Du Dir ein Bild zum ersten Mal anschaust, wird Dein Auge wahrscheinlich unterbewusst einer bestimmten Richtung folgen. Diese Blickführung geschieht durch Linien, die auf die zentralen Elemente des Werkes zulaufen. Sie befinden sich meistens mittig. Die Linien entstehen zum Beispiel durch Gesten (ein ausgestreckter Arm), Blicke (die Figur des Werkes blickt auf einen Gegenstand in ihrer Hand) oder Objekte (ein Weg führt zu dem im Bild zentralen Schloss). Auch verschiedene Helligkeitsabstufungen können das Auge in eine bestimmte Richtung lenken.

Gestaltungsmittel Kunst: Elementare Kontraste

Elementare Kontraste dienen, wie auch Farbkontraste, dazu, Gegensätze gegenüberzustellen. Sie können unterschiedlich ausgedrückt werden. Hier eine kleine Auswahl:

• groß vs. klein
• lang vs. kurz
• horizontal vs. vertikal
• hoch vs. niedrig
• breit vs. schmal
• glatt vs. rau
• eckig vs. rund
• spitz vs. stumpf

Gestaltungsmittel Kunst: Formcharaktere

Formen werden mit bestimmten Gefühlen und Eindrücken assoziiert. Ein Kreis wirkt sicher und freundlich, ein Quadrat stabil und verlässlich, ein Dreieck gefährlich und aktiv. Diese Eigenschaften können auf zwei verschiedene Arten in einem Kunstwerk angewendet werden:

Zum einen können Elemente des Werkes bewusst mit bestimmten Formen gezeichnet werden. Dies kommt häufig bei Karikaturen vor, in denen Figuren durch eine übertriebene Darstellung gekennzeichnet sind. (Die Übertreibungen bestimmter Merkmale bei Karikaturen dienen allerdings meistens der Wiedererkennung der Personen.) Noch wichtiger ist der Formcharakter beim Charakterdesign von Cartoons. Eine Person, die antagonistisch wirken soll, wird z. B. mit dreieckigen Formen gezeichnet. Hat der Protagonist im Gegenzug eher kreisförmige Merkmale, grenzen sich die beiden Figuren besonders voneinander ab.

Zum anderen können Formcharaktere in einer Komposition angewendet werden. Werden einzelne Elemente des Werkes in bestimmten Formen angeordnet (z. B. Blüten in einem Kreis), kann dadurch ebenfalls der Formcharakter in Erscheinung treten, wenn auch subtiler als bei der ersten Möglichkeit.

Gestaltungsmittel Kunst: Formrhythmen

Formrhythmen beschreiben Wiederholungen von bestimmten Elementen. Umgangssprachlich wird auch von einem Muster gesprochen. Dabei können Formrhythmen ganz verschieden auftreten, z. B. in Form von Wellen, die gleichmäßig auf und ab gezeichnet sind. Auch das Auftragen der Farbe kann einem gewissen Rhythmus gleichen, wenn beispielsweise Pinselstriche immer parallel zueinander gesetzt werden.

Gestaltungsmittel Kunst: Die Bewegung

Bei dem Aspekt der Bewegung betrachtest Du, was für eine Art von Dynamik und Energie das Werk ausstrahlt. Ist es ein Stillleben, bei dem, wie der Name bereits verrät, das Bild sehr ruhig wirken soll? Oder wird in dem Bild viel Energie ausgestrahlt, z. B. durch Bewegung zentraler Figuren oder durch die Anwendung von starken, komplementären Farben?

Gestaltungsmittel Kunst: Die Linienführung

Die Linienführung ist ein zentrales Element in der Malerei. Durch sie können Elemente und Formen erst definiert und von anderen Aspekten des Bildes abgegrenzt werden. Linien können als eigene Objekte (z. B. ein Pfeil oder ein Strick) oder als Umrisse verwendet werden, z. B. um einen Raum oder einen Körper zu kennzeichnen. Außerdem können durch das Setzen von Linien Strukturen und Texturen dargestellt werden, was besonders bei der realistischen Malerei eine wichtige Rolle spielt.

Bei der Analyse der Linie als Gestaltungsmittel kann zudem auf gedachte Linien sowie bestimmte Muster geachtet werden.

Mit gedachten Linien, also Linien, die so nicht im Bild eingezeichnet sind, kann die Komposition eines Werkes untersucht werden. Wenn Du zum Beispiel bei einer Achse, die senkrecht in die Mitte des Bildes gesetzt ist, feststellen kannst, dass das Bild symmetrisch ist, spricht das für eine ausgeglichene Komposition.

Weiterhin kannst Du untersuchen, ob das Werk besonders viele starre, also gerade senkrechte und waagerechte Linien aufweist. Diese Gestaltungsweise bewirkt oft Ruhe und Ausgeglichenheit Wenn ein Werk aus vielen diagonalen und geschwungene Linien besteht, hinterlässt dies einen eher dynamischen und hektischen Eindruck.

Gestaltungsmittel Kunst: Werkspuren

Zu Werkspuren gehört alles, was durch die Arbeit am Werk hinterlassen wird, wie beispielsweise sichtbare Pinselstriche. Je nach Art des Gemäldes wird mehr oder weniger Wert auf das Verbleiben von solchen Spuren gelegt.

Soll ein Bild zum Beispiel sehr realistisch wirken, wird der Künstler es vermeiden wollen, dass Pinselstriche als solche zu erkennen sind. Ein Gegenbeispiel dazu ist das sogenannte Actionpainting. Dabei wird Farbe zufällig und grob auf die Leinwand gespritzt oder geschüttet. Die Methode ist häufig schon beim ersten Blick auf das Werk erkennbar.

Farben und Farbkontraste

Eines der wichtigsten Elemente eines Bildes ist die Anwendung von Farben.

Farben können auf vier unterschiedliche Arten genutzt werden:

1. Die Lokalfarbe ist der reine Farbton, den ein Gegenstand hat, ohne sich von Licht und Schatten seiner Umgebung beeinflussen zu lassen (Beispiel: roter/gelber/grüner Apfel).
2. Mit der Erscheinungsfarbe wird ein Gegenstand durch den Einfluss von Licht- und Schattenverhältnissen dargestellt (Beispiel: ein Apfel, der im Licht des Sonnenuntergangs golden wirkt).
3. Die Symbolfarbe wird verwendet, um nicht die tatsächliche Farbe eines Gegenstandes darzustellen, sondern sie symbolisch zu nutzen (Beispiel: ein schwarzer Apfel, um Verderben und Unglück auszudrücken).
4. Ähnlich wie bei der Symbolfarbe wird die Ausdrucksfarbe genutzt, um Gefühle deutlicher auszudrücken (Beispiel: der Apfel ist blau, um Traurigkeit darzustellen).

Außerdem wird zwischen sieben grundlegenden Farbkontrasten unterschieden:

1. Farbe-an-sich-Kontrast: Kontrast, bei dem reine Farben bunt zusammengestellt werden.
2. Hell-Dunkel-Kontrast: Kontrast, der durch die eigenen Tonwerte der Farben entsteht.
3. Kalt-Warm-Kontrast: Kontrast, bei dem die empfundene Temperatur von Farben den Kontrast entstehen lässt.
4. Qualitätskontrast: Kontrast, der durch den Gegensatz von gesättigten und trüben Farben zustande kommt.
5. Quantitäts-Kontrast: Kontrast durch ungleich große Farbflächen.
6. Komplementär-Kontrast: Kontrast durch die Verwendung von komplementären (sich auf dem Farbkreis gegenüber liegenden) Farben.
7. Simultankontrast: Kontrast, bei dem die Wirkung einer Farbe durch eine sie umgebende Farbe beeinflusst wird.