Vielleicht kennst Du aus Kindheitstagen die Erfahrung, mit Farben zu experimentieren, sie mit Händen zu verschmieren, sie auf Papier zu werfen oder zu spritzen. In den 1940er-Jahren begannen einige Künstlerinnen und Künstler in Nordamerika genau das zu machen und wurden damit weltberühmt. Der neue Stil wurde abstrakter Expressionismus genannt.

Abstrakter Expressionismus – Definition und Überblick

Sicherlich fragst Du Dich, wie solche Kunstwerke als wertvolle kunsthistorische Werke eingeordnet werden können. Die Beliebtheit und Entstehung des abstrakten Expressionismus hat eine interessante Hintergrundgeschichte, die Du im Folgenden erfährst.

In Europa entwickelte sich zeitgleich die Stilrichtung der Informellen Kunst (kurz auch Informel genannt). Es handelt sich dabei auch um einen abstrakten, nicht gegenständlichen Kunststil, bei welchen sich formal einige Parallelen zum abstrakten Expressionismus finden lassen. Synonym wird manchmal auch der Begriff "Tachismus" verwendet. Der Tachismus ist eine Kunstrichtung innerhalb der informellen Kunst, der Begriff wurde vorwiegend in Frankreich verwendet.

Zeitraum und Zeitgeist des abstrakten Expressionismus

Der Anfang des abstrakten Expressionismus wird auf die frühen 1940er-Jahre datiert, also noch vor dem Ende des Zweiten Weltkrieges. Ab den 1960er-Jahren war der Stil weniger präsent. Die Stadt New York gilt als Geburtsstätte des abstrakten Expressionismus.

In den 30er-Jahren immigrierten zahlreiche europäische Kunstschaffende aus Deutschland und Frankreich in die USA und vorrangig nach New York. Grund dafür war in erster Linie der Zweite Weltkrieg und die damit einhergehende Verfolgung und Ablehnung der modernen Kunst vonseiten der Nationalsozialisten.

Viele europäische Künstlerinnen und Künstler der Moderne trugen ihre philosophischen und künstlerischen Vorstellungen in die USA. Sie weckten bei einigen amerikanischen Künstlerinnen und Künstlern das Interesse an abstrakter Kunst und bildeten damit die Grundlage für die Entwicklung des abstrakten Expressionismus. Das künstlerische Zentrum, das zuvor vorrangig in Paris gesehen wurde, verlagerte sich und New York wurde zum neuen Schauplatz moderner und neuer Kunststile.

Wichtiger Ort und Treffpunkt der Künstlerinnen und Künstler in den 40er-Jahren war das "Art of this Century"-Museum. Es wurde 1942 von der Galeristin und Sammlerin Peggy Guggenheim eröffnet und bot vielen Kunstschaffenden des abstrakten Expressionismus einen Ort zum Austausch. Das Museum war gleichzeitig auch eine Galerie, in der Guggenheim viele Kunstwerke des abstrakten Expressionismus ausstellte. Dadurch wurde die Kunstströmung auch in der Öffentlichkeit bekannt.

Abstrakter Expressionismus – Merkmale und Maltechniken

Grundlegend für die Kunst des abstrakten Expressionismus sind primär die Spontanität und der Ausdruck des Unterbewusstseins. Die Strömung stellt sich gegen die Vorstellungen des Konstruktivismus, des Realismus und im Allgemeinen gegen die geometrische Abstraktion. Ähnlich wie im Expressionismus (1905–1925) geht es um die Darstellung von Emotionen, jedoch malten die Künstlerinnen und Künstler intuitiver.

Wesentlich für den Malprozess ist der surrealistische Automatismus. Dabei handelt es sich um eine Methode der Malerei, bei der die Künstlerinnen und Künstler sich nicht mit rationalen Gedanken beschäftigen, sondern sich gänzlich einem spontanen und unterbewussten Malen hingeben. Dadurch entstehen vorwiegend abstrakte Kombinationen aus Farben und Formen.

Motivisch gesehen, haben die meisten Werke des abstrakten Expressionismus keinen klaren Inhalt oder identifizierbare Objekte bzw. Lebewesen. Es geht auch weniger um die Darstellung etwas Bestimmten, sondern um das Erschaffen eines individuellen und subjektiven Werks.

Grundsätzlich lassen sich dem abstrakten Expressionismus zwei Techniken zuordnen: das Action Painting und die Farbfeldmalerei.

Action Painting

Das Action Painting oder auf Deutsch, die Aktionsmalerei, ist eine Farbauftragsmethode des abstrakten Expressionismus. Kennzeichnend ist das dynamische Auftragen der Farbe: Die Farbe wird auf die Leinwand gespritzt, geschüttet oder getropft.

Dafür kommen zum Beispiel Pinsel, Hände oder Spachtel zum Einsatz. Häufig werden auch Farbeimer oder sonstige Behälter mit Löchern versehen, sodass die Farbe auf die Leinwand tropfen kann. Dieses Verfahren wird auch "dripping" genannt. Gänzlich losgelöst von bewussten Entscheidungen wird die Farbe aufgetragen. Die Künstlerin oder der Künstler lassen sich im Malprozess ganz von der Spontanität leiten. Auf einen Bildaufbau und genauere Ausarbeiten wird verzichtet, vielmehr steht der Prozess des Malens im Vordergrund.

Berühmte Künstlerinnen und Künstler des Action Paintings sind beispielsweise Jackson Pollock, Sam Francis, Helen Frankenthaler oder Willem de Kooning.

Farbfeldmalerei

Eine zweite Maltechnik des abstrakten Expressionismus besteht in der Farbfeldmalerei, auf Englisch "Color Field Painting". Hierbei handelt es sich im Vergleich zum Action Painting um ruhigere Darstellungen. Größere Farbfelder werden neben- oder übereinander auf der Leinwand angeordnet. Oftmals wird auch hier die Farbe geschüttet oder gegossen. Die Wirkung der Farbfeldmalerei ist ruhiger und wird auch manchmal als meditativ bezeichnet.

Bekannte Vertreter der Farbfeldmalerei sind beispielsweise Hans Hofmann, Mark Rothko oder Barnett Newman.

Abstrakter Expressionismus – bekannte Künstler

In den 40er-Jahren machten sich einige amerikanische Kunstschaffende einen Namen in der Kunstszene. Mit ihren neuartigen Maltechniken und wirkungsstarken Werken rückten sie mit der Zeit auch in das Auge der Öffentlichkeit. Zu den bekanntesten Künstlern zählen Jackson Pollock und Mark Rothko, die jeweils auch eine unterschiedliche Maltechnik ausübten.

Jackson Pollock

Pollock wurde 1912 in Wyoming geboren und zog in den 1930er-Jahren nach New York. Inspiration für seine Kunst waren die modernen Strömungen des Kubismus und Surrealismus. In der Entstehungszeit des abstrakten Expressionismus gelang es ihm jedoch, sich von den Einflüssen der europäischen Maler und Malerinnen zu lösen und er entwickelte seinen eigenen Stil.

Bei der Maltechnik des Action Paintings gilt Pollock als Hauptvertreter. Seine Werke sind bekannt für ein dynamisches Arbeiten mit Farbe. Für ihn war es wichtig, einen großen Freiraum während des Malens zu spüren. Dafür legte er beim Malen seine meist großformatigen Leinwände auf den Boden.

Um die auf dem Boden liegende Leinwand konnte Pollock herumgehen und sein Kunstwerk von allen Seiten erschaffen.

Vor allem die Technik des Dripping mit Farbdosen wurde von ihm oft angewandt: Durch Löcher in einer Farbdose ließ er dünnflüssige Farbe auf die Leinwand tropfen. Er folgte dabei ganz seinen inneren Empfindungen. Es entstanden Werke, in denen Farbspritzer und Linien das ganze Bild bestimmen, diese Werke werden auch "Allover" genannt.

Eine bewusste Komposition liegt seinen Werken nicht zugrunde. Die Bewegungen, die Pollock ausführte, um die Farbe aufzutragen, geschahen nach seinem eigenen inneren Rhythmus. So spiegelten seine Werke seine Empfindungen und die Themen seiner Zeit wider: Hektik, Bewegung und Aggression, nicht zuletzt durch den prägenden Zweiten Weltkrieg.

Die ersten Ausstellungen von Pollock waren in Peggy Guggenheims Museum zu sehen. Zunächst lassen sich in seinen Werken noch figurative Assoziationen finden, also Motive, die einen visuellen Bezug zu Figuren darstellen. Ab 1946 entfernte er sich jedoch davon.

Mark Rothko

Mark Rothko (1903–1970), geboren Marcus Rothkowitz, immigrierte in jungen Jahren aus Russland in die USA. Nach einem Kunststudium unterrichtete er für kurze Zeit. 1940 änderte er seinen Namen und erreichte ein paar Jahre später einen hohen Bekanntheitsgrad.

In seinen Werken lassen sich Einflüsse des Künstlers Henri Matisse und des Surrealismus finden. So führte er die damaligen Strömungen der Moderne in seinen Bildern fort. Rothko ging dabei aber einen eigenen, freieren Weg.

Ab 1947 entfernte er sich von gegenständlichen Darstellungen und konzentrierte sich ausschließlich auf die Farbfeldmalerei. Auch er benutzte großformatige Leinwände, auf die er die Farbflächen meist horizontal übereinander malte. Diese Schichtung von Farbfeldern zog sich lange Zeit durch seine Schaffensperioden. Manche seiner Werke erreichten eine Größe von über 3 Metern.

Technisch gesehen, verwendete Rothko verdünnte Farben, die von der Leinwand aufgesogen wurden. So entstand die Wirkung von leuchtenden, schwebenden Farbflächen. Er benutzte immer wieder unterschiedliche Farben und experimentierte mit den variierenden Farbwirkungen. Die Farbflächen wurden bei ihm auf einen einfarbigen Hintergrund gesetzt.

Rothkos Ziel war es, Emotionen über seine Werke zu transportieren. Er wollte die betrachtenden Personen ansprechen, sie emotional berühren und etwas in ihnen wecken. Gleichzeitig bezeichnete er sich nie als abstrakter Künstler:

Bei den Ausstellungsorten seiner Werke war er sehr spezifisch. Meist wollte er sie in besonders dunklen Räumen und dicht über dem Boden platziert sehen. Nach Rothkos Auffassung würden somit die Betrachtenden in eine direkte Beziehung mit dem Werk treten.

Abstrakter Expressionismus – abstrakte Malerei in Europa: Tachismus und Informelle Kunst

Obwohl viele europäische Maler und Malerinnen in den 40er-Jahren nach Amerika immigrierten, blieb ein kleiner Kreis an Künstlerinnen und Künstlern in Europa bestehen. Sie arbeiteten weiter und stellten sich damit gegen das totalitäre System der Nationalsozialisten. Diese abstrakte europäische Strömung wird Informelle Kunst – oder in Paris auch Tachismus genannt. Zu den bekannten Künstlern gehören beispielsweise Wols, Jean Fautrier, Hans Hartung und Jean René Bazaine.

Charakteristisch lässt sich die informelle Malerei von dem abstrakten Expressionismus kaum trennen. Auch in Europa steht die Spontanität und das ungezügelte Malen formloser Bildelemente im Vordergrund. Inspiriert ist die Kunst ebenfalls von großen Malern der Avantgarde. Auf einen Kompositionsaufbau und geometrische Abstraktion wurde verzichtet.

Wols

1913 wurde Wols (1913–1951), der eigentlich Alfred Otto Wolfgang Schulze hieß, in Berlin geboren. In den 40er-Jahren lebte er in ständiger Flucht vor den Nationalsozialisten in ärmlichen Verhältnissen. Auch wenn ein allmählicher Erfolg seiner Kunst einsetzte, verlief seine letzte Schaffensphase in geschwächtem und kränklichem Zustand.

Seine Kunst ist Ausdruck seines Lebens. Seine Lebensumstände prägten den Künstler tiefgehend und hinterließen Spuren in seiner Psyche. Nahezu poetisch und traumähnlich projizierte er seinen inneren Leidensdruck auf die Leinwand. Zentrale Inhalte sind immer wieder Leid, Zerstörung und Depression. Er experimentierte mit unterschiedlichen Materialien, darunter Nägeln, verschiedene Papierarten bis hin zu toten Tieren.